Intelligenza Artificiale, Marketing e Appiattimento Creativo

Si apre oggi la serie speciale di articoli intitolata "Intelligenza Artificiale, Marketing e Appiattimento Creativo", che tiene conto dell'evoluzione-involuzione degli ultimi 5-6 anni in materia creativa.

Esistono due grandi "segmenti cronologici" legati all'appiattimento creativo: il primo, già esistente nel passato, riguarda tutti quei fenomeni ai limiti del plagio dettati da esigenze di produzione (marketing, risorse finanziarie); il secondo, tipico del presente che stiamo vivendo e che verosimilmente ci accompagnerà in futuro, riguarda le nuove tecnologie, e in particolare l'intelligenza artificiale.

Oggi parleremo specificamente del primo punto, come introduzione al problema della contemporaneità: 

Marketing e commerciabilità come esigenze di produzione

Il marketing, in senso lato, (pro)muove la produzione artistica. Concetto banale quanto reale ed innegabile. 

Quante volte ci capita di leggere un libro (soprattutto un romanzo), di guardare un film o una serie, di ascoltare una canzone, e di percepire quel senso di "già visto - già sentito"?

Pensiamo ad un caso, assolutamente non isolato, che riguarda un fenomeno Netflix: il rapporto tra Stranger Things e Dark. 

Siamo negli anni 2016-2017 (la prima puntata di Stranger Things risale al luglio 2016, la prima di Dark a dicembre 2017). 

In quel particolare periodo storico, l'intelligenza artificiale non ha ancora conosciuto lo sviluppo travolgente che incontrerà a partire dalla pandemia del 2020, restando ancora un processo tecnologico relegato a pochi addetti ai lavori (e non idoneo a creare sceneggiature complesse). Inutile, dunque, imputare una qualche responsabilità a questo elemento specifico in quegli anni.

La sensazione di "già visto" che permea Dark rispetto a Stranger Things è ai limiti del plagio (in senso estetico, non legale), ma da una lettura strettamente "economico-finanziaria" la cosa non dovrebbe stupire.

Se, da un lato, gli elementi comuni sono troppi per risultare casuali, d'altro canto è comprensibile come Dark rielabori un modello narrativo già ampiamente metabolizzato dagli spettatori di Stranger Things: un successo planetario "traina" altri lavori, altre serie, influenzando pesantemente la creatività.

Questo "schema" è funzionale al marketing (ricordiamo che, quando uscì Dark, fu interesse di Netflix paragonarlo a Stranger Things nella sua campagna di lancio), permettendo sicuramente di agguantare un ampio numero di persone già appassionate al fenomeno precedente, seppur assumendosi qualche rischio.

Andando a leggere il rapporto tra queste due serie (che sono emblematiche per il loro successo e per l'essere state prodotte dalla medesima piattaforma), si possono rinvenire degli elementi che lasciano supporre una riscrittura, se non altro parziale, della sceneggiatura di Dark in ottica Stranger Things: sin dal principio, sembra che il soggetto di Dark, diverso nelle intenzioni sul piano narrativo ed estetico rispetto a Stranger Things, sia stato farcito di elementi riconoscibili al pubblico del fenomeno planetario, tanto da risultare sovrapponibile in più punti: la sparizione di un bambino, il ruolo di una centrale elettrica, la presenza di autorità governative o paragovernative torbide, il ruolo degli adolescenti nella ricerca, la presenza del personaggio di un poliziotto con sviluppo narrativo simile in entrambe le serie, la presenza di luoghi-non luoghi con punti di passaggio tra due dimensioni contrassegnati da leggi fisiche distorte, il "ruolo" degli anni Ottanta, e si potrebbe agevolmente andare avanti, ma nonostante siano trascorsi dieci anni dalla prima serie di Stranger Things e nove da Dark, preferiamo non cadere nello spoiler - magari qualcuno non le avrà ancora viste e vorrà rimediare).

Pare quasi che Dark sia stato pesantemente riscritto per garantire un continuum di pubblico in un momento in cui il pubblico desiderava esattamente un certo tipo di prodotto. 

Il risultato? Non ci interessa, questo articolo non è una critica a Stranger Things o a Dark, e nemmeno una comparazione puntuale. 

Si tratta di un "pretesto" per passare ad un piano molto più generale: le esigenze di natura finanziaria e di marketing dominano il rapporto creativo che si instaura tra produzione artistica e pubblico. 

Scoperta dell'acqua calda? Probabilmente sì, ma questa base - che troviamo in tutte le forme di produzione artistica (avremmo potuto parlare di letteratura o di musica, ma ci siamo voluti affidare alla forma artistica che le racchiude tutte) aiuta a capire perché l'intelligenza artificiale non vada a stravolgere uno schema, ma lo affini, lo rinnovi in chiave tecnologica. 

L'appiattimento creativo che imputiamo, negli ultimi cinque anni circa, all'esistenza e alla diffusione massiva dell'IA, ha in verità radici molto più profonde, che non possono essere tralasciate né trascurate. 
E che, talvolta, nella narrazione dei giorni nostri, tendiamo a dimenticare.

Immagine: AI

MÅNESKIN: LA GRANDE OCCASIONE

 

Premetto che tutto ciò che dirò qui non riguarderà minimamente aspetti tecnico-musicali. Come diceva un mio caro amico, molto più competente di me, se non hai studiato in Conservatorio e non ti sei diplomato in Composizione, lascia perdere la tecnica. E considera anche che, tecnicamente, tutta la musica leggera mondiale verrebbe travolta da un giudizio fortemente negativo, sul piano della tecnica compositiva. Si salverebbe, forse, il Prog, ammesso che il Prog sia "musica leggera".

Questa premessa è doverosa, e mi serve per avere la certezza di distinguermi dai grandi esperti musicali che ci sono in giro, per molti dei quali la cultura musicale può ridursi, fondamentalmente, a strimpellare uno strumento e andare a vedere qualche concerto. Qui non si parla di tecnica. Non sarei in grado di dire più di quattro fesserie basilari, sulle quali sarebbe inutile tessere un discorso.

Detto ciò, sottolineo fin da subito che spezzerò una lancia in favore dei Måneskin.

E lo farò su quello che è, a mio avviso, il terreno più rilevante: non quello tecnico, abbiamo già detto, e neppure quello emotivo, che sarebbe totalmente soggettivo. Un discorso basato, nei fatti, sul "mi piace" o sul "non mi piace", è un discorso circolare. E, in quanto tale, totalmente inutile. La soggettività del giudizio, in ultima istanza, diviene sorda.

Il discorso, invece, si basa su qualcosa che finisce col trascendere i Måneskin e si inserisce in una riflessione sulla musica in generale.

Vedere un gruppo che suona Rock (e questo è oggettivo, rispetto ai canoni del Rock) e che vince il Festival di Sanremo... un universo in cui il Rock, quando presente, non aveva mai avuto alcuna reale possibilità di vittoria, non nascondo che mi faccia piacere. Come, del pari, mi fa piacere che abbiano portato sul palco una canzone dei CCCP (prescindiamo da qualsiasi giudizio sull'esecuzione, poiché anch'esso risulterebbe troppo personale). In aggiunta, anche il fatto che un altro autore in gara, Max Gazzè, abbia portato i CSI, è qualcosa di veramente positivo, secondo il parere di chi scrive.

Ad ogni modo... La vittoria dei Måneskin permette ad un genere che, agli occhi di alcuni (evidentemente, assai poco informati) risultava morto, di recuperare (ulteriore) linfa vitale. Non perché Zitti e Buoni debba risultare il meglio della produzione Rock nostrana (e non credo fosse neanche l'obiettivo di chi l'ha portata all'Ariston), ma semplicemente perché questa vittoria può potenzialmente innescare dei meccanismi di conoscenza musicale che, nell'era dei social e dei talent, sembravano (questi sì) sepolti.

Come funzionava qualche anno fa? Diciamo prima dell'esplosione di Internet, dunque prima del 2000, fondamentalmente? La scena musicale viveva di intrecci, di catene. Dal successo di una band o di un artista, poteva dipendere un'onda d'urto positiva che travolgeva tutti, o molti, degli artisti che facevano quello stesso genere, o, quantomeno, che fiorivano in quello stesso ambiente.

Facciamo un esempio concreto - attingendo dalla scena Rock nostrana, così che si capisca che cosa intendo: i Litfiba, alla fine degli anni 90 raggiungono l'apice del successo commerciale. Il loro pubblico esplode con Mondi Sommersi e Infinito (il loro album, quest'ultimo, più lontano dal Rock della loro storia). Chi si avvicina per la prima volta a quel tipo di sound, e mi riferisco, specificamente, agli adolescenti, raramente conosce la produzione precedente. L'esplosione commerciale, spinge molti ragazzi ad approfondire quel gruppo. E così vanno indietro, scoprono, per esempio, il Rock duro di Terremoto, e poi vanno ancora indietro. Ricordiamo che siamo ancora nell'epoca in cui se ti interessa un autore o un gruppo, devi comprarti il disco o sperare che qualcuno dei tuoi amici ce l'abbia, per farti fare una cassetta pirata... Fatto sta, che la conoscenza si approfondisce, e scopri i Litfiba anni 80. I Litfiba anni 80 ti aprono un intero universo, a cominciare dai Diaframma. Conosci la storia dei Litfiba e, parallelamente, seguendo le orme di chi di quel gruppo ha fatto parte, ti avventuri anche nei CSI, che alla fine degli anni 90 sono ancora attivi. Ma, quasi automaticamente, vai a ritroso anche nella loro storia, e trovi i CCCP. Continui a seguire i fili del "discorso", scopri "Stazioni Lunari". Il progetto ti piace e ti avvicini, attraverso i concerti, ad altri artisti. Alcuni già li conoscevi, altri li conosci per la prima volta.
Nel frattempo, hai ampliato i tuoi orizzonti oltre l'Italia, e hai incontrato la New Wave internazionale, il Punk, la musica Dark... Ti accorgi ogni giorno di più di quanto immensa sia la galassia musicale, e un giorno ti trovi a seguire l'ultimo concerto dei Tuxedomoon in formazione originale.

Potrei fare un altro esempio: avresti mai conosciuto la musica dei Pylon senza il successo dei R.E.M.? Statisticamente, direi di no.

Oggi siamo in un'epoca diversa, un'epoca in cui l'uso e consumo va di pari passo con un sostanziale appiattimento musicale. Non perché manchino alternative, ma perché quelle alternative sono schiacciate dai percorsi obbligati. Il talent show è diventato una quasi necessità per emergere. Non siamo più in un'epoca in cui ci si poteva permettere di inventarsi un concerto nel magazzino dello zio, invitando i propri compagni di liceo o di università, e sperare in un passaparola. Aspettando che qualcuno venisse notato, gli venisse proposto un contratto, e poi si trascinasse dietro un po' di successo e di visibilità anche per gli altri.

Paradossalmente, l'epoca in cui chiunque avrebbe una visibilità potenzialmente planetaria, è anche l'epoca in cui la visibilità fuori dai "canali ad ampia portata" si attesta sullo zero. E da lì fa molta fatica a schiodarsi.

In questa vittoria inaspettata, invece, vedo un ritorno al passato con i mezzi del presente. Poi, forse, sarò troppo ottimista, ma qualche sentore c'è. I ragazzi di oggi hanno molti più mezzi per conoscere di quanti non ne abbia avuti chi vi scrive, quando era adolescente. E qualche sentore di "cambiamento", io lo vedo nei numeri. "Amandoti" dei CCCP ha aumentato le visualizzazioni su Youtube (limitatamente al video che ho visto io, ce ne sono anche altri), di oltre 50mila. Non ho fatto questa verifica su Spotify, ma già penso che Youtube sia indicativo: poco più di 600mila visualizzazioni in quasi 11 anni, oltre 50mila nuove visualizzazioni in una manciata di giorni (mentre scrivo, sta viaggiando sulle 5mila al giorno).

Per non parlare di quello che è accaduto agli Anthony Laszlo, questo per motivi collaterali e (forse) non voluti: da poco più di 10mila visualizzazioni, oggi ne hanno raggiunte oltre 300mila...

Ci rendiamo conto dell'onda d'urto potenziale che attraverso questa band di ventenni sta travolgendo, o può travolgere, un intero genere? In un momento in cui, cerchiamo di essere seri, moltissime persone in questo Paese neanche erano a conoscenza dell'esistenza di una scena Rock - in tutte le sue declinazioni - che parla italiano?

Si mettano l'anima in pace i cosiddetti puristi: questo momento può portare alla rinascita di un genere, alla voglia per gli adolescenti di scoprirlo e, perché no, di farsi comprare una chitarra elettrica.

Non perché i Måneskin debbano essere il meglio in circolazione, questo non credo si pretenda da loro. Ma hanno la giusta visibilità, e per un certo tipo di musica, questa è una (nuova) immensa occasione.

A questi ragazzi io auguro soltanto una cosa; una cosa che, probabilmente, è l'opposto di quello che ci si aspetta in un'epoca in cui pare si nasca artisti già preconfezionati (da altri): sperimentate. Battete più strade, muovetevi con i vostri passi. Siate voi stessi, non solo a parole. Avete una opportunità che va oltre la vostra musica. Uscite dalla logica talent che vi ha forgiati, e andate oltre. Se riuscirete in questa missione, sarete un gigantesco faro per la musica italiana (e, a costo di essere impopolare rispetto a certi ambienti, credo che ne abbiate ampiamente le potenzialità). In caso contrario, rischierete di essere come tante altre meteore da talent fagocitate dal successo, e io mi sarò semplicemente sbagliato.

BOTANICA dei Deproducers: tra inno alla vita e denuncia sociale

Per percepire la propria fragile natura, la propria piccolezza, non serve necessariamente guardare all'universo e alle stelle.

Anche questa nostra Terra ci offre infatti, attraverso il regno vegetale, la più grande e misconosciuta formula di vastità: nel numero, nelle dimensioni, negli anni di vita.

Ci sono alberi, come il Pinus Longaeva, che abbracciano con le loro radici il nostro pianeta da 4mila anni e oltre. Che hanno visto passare gran parte della storia dell'umanità sotto le loro chiome.

Ci sono alberi immensi, come le Sequoie Giganti, che possono arrivare a 100 metri di altezza. E, poi, ci sono piante che resistono ai climi più difficili, attraverso una evoluzione lunga milioni di anni.

Ci sono piante che hanno imparato, per sopravvivenza, a sfruttare gli animali, e persino a selezionarli.

Tutto questo è Botanica, lo spettacolo dei Deproducers (Vittorio Cosma, Gianni Maroccolo, Massimiliano Casacci, Riccardo Sinigallia) che hanno concluso la loro tournée estiva a Pordenone, in occasione dell'edizione 2017 di Pordenonelegge.

Un viaggio attraverso capitoli poco conosciuti o totalmente sconosciuti ai più sulla vita delle piante, come le loro relazioni, tra sé o con l'ambiente esterno. Il loro muoversi, il loro "giocare", le loro competizioni e le loro sfide.

Un mondo affascinante, apparentemente senza limiti.

Ma che conosce, purtroppo, il limite distruttivo dell'uomo, ed ecco che Botanica è anche una immensa denuncia sociale: le piante sono la base della vita animale, non esiste alcuna possibilità per l'essere umano e per tutto ciò che è animale, di sopravvivere senza piante. Sembrerebbe scontato, un concetto ripetuto sino a divenire retorica, ma in un mondo in cui, in nome del profitto, si consuma ogni anno una superficie di foresta pari a quella dell'Inghilterra, ecco che non esiste nulla di scontato o di retorico.

La nostra vita è legata indissolubilmente a questo variegato mondo. Così, dove le note incontrano immagini, e le parole del professor Stefano Mancuso fungono da necessario contorno ed approfondimento, speriamo abbia inizio un reale cammino di consapevolezza individuale e sociale.

Tutti i diritti riservati
credito immagine: Allday.ru 

L'immagine appartiene al suo autore, l'artista Agim Sulaj

Giornata Mondiale della Poesia 2017

LA VERA POESIA

Anche se il suo valore non è stato compreso,

la parola di un poeta vero

versa nelle orecchie una corrente di miele:

anche se non è ancora giunta la sua fragranza, certo

cattura lo sguardo una ghirlanda di gelsomini.

(Subandhu, poeta indiano del VII secolo)

La primavera sboccia come la poesia. Ed anche quest'anno, in occasione della giornata mondiale della poesia, centinaia di eventi, in Italia e nel mondo, renderanno omaggio ad una delle forme più pure ed antiche di espressione dell'umanità.

Sentimenti, emozioni, preoccupazioni, osservazione del circostante come dell'infinito, passione, vita quotidiana, socialità, interiorità, satira,... Un linguaggio tanto totalizzante quanto universale.

E in questo, certo, le siamo tutti tributari. 

(c) traduzione di Giuliano Boccali - credito immagine: David Wagner

Diritto d'autore: OPERE COLLETTIVE, COMPOSTE, IN COMUNIONE

Accade spesso che gli autori decidano di collaborare: ecco che allora, dal punto di vista legale, possono sorgere due situazioni principali (frequenti nella prassi) che guardano al prodotto di tali collaborazioni: opere cosiddette "collettive" ed opere cosiddette "composte".

Le opere "collettive" sono quelle in cui ciascuna parte da cui è formata l'opera resta distinta ed autonoma rispetto alle altre. Un'antologia, ad esempio, è un'opera collettiva, perché troveremo i testi di Tizio, cui seguono i testi di Caio e quelli di Sempronio. L'opera è, in questo caso, una somma di opere, né più e né meno.

Questo, evidentemente, crea delle conseguenze: ai singoli collaboratori dell'opera collettiva è riservato, anzitutto, il diritto di utilizzare la propria opera separatamente. I diritti di utilizzazione economica sull'opera collettiva, invece, spettano all'editore, salvo non si sia pattuito diversamente. Colui che viene considerato "autore" dell'opera collettiva (cioè dell'opera nel suo insieme) è colui che dirige, che cura, che gestisce e che organizza. Ricordando, comunque, quanto detto sopra: se questi è autore dell'opera collettiva, è anche vero che ciascun autore di ogni singola parte, conserva la propria autonomia sull'utilizzo "esterno" della propria opera.

Le opere "composte" hanno una identità meno "separabile". Possono, infatti, essere suddivise in parti, ma tale suddivisione porta ad un risultato molto diverso dall'opera nel proprio complesso.

Un esempio canonico di questo tipo è dato dalle canzoni, in cui vi sono una parte letteraria ed una musicale. Evidentemente, la musica e le parole possono, in questo caso, essere divise, ma il risultato finale sarà molto diverso. Vi è, dunque, una identità organica che risulta più accentuata rispetto alle singole parti.

Come si suddividono i diritti d'autore nelle opere composte? Basti pensare, nel caso specifico delle opere musicali, al deposito presso la SIAE, che richiede la compilazione del cosiddetto "Modulo 112". Questo modulo ricalca, evidentemente, i criteri di ripartizione tra gli autori delle singole parti. Sarà così possibile indicare i nominativi degli autori con le rispettive quote di diritti (che si presumono ripartiti in parti eguali, ma che possono essere pattiziamente derogate - cioè: se Tizio è autore della musica, e Caio è autore delle parole, la ripartizione "normale" dei diritti sarà 50% e 50%, ma i due potrebbero anche mettersi d'accordo per una ripartizione al 30% e al 70%, ad esempio).

Una disciplina simile a quella prevista per le opere composte, si ha per le opere "in comunione" (meno frequenti nella prassi). Le opere in comunione sono quelle in cui il contributo di ciascun artista è indistinguibile ed inscindibile da quello degli altri. Un esempio? Un quadro dipinto a più mani.

In questo caso la ripartizione dei diritti segue le regole generali del diritto civile sulla comunione (articoli 1100 e seguenti del codice civile), quindi presunzione di eguaglianza nelle quote, salvo diverso accordo che deve essere provato per iscritto.

Ricapitolando:

OPERE COLLETTIVE

possono essere facilmente scisse, e la loro divisione non muta il profilo sostanziale dell'opera; i diritti morali appartengono ai singoli autori, ciascuno per la propria parte - mentre i diritti morali dell'opera nel complesso sono di chi l'ha diretta/organizzata/curata; i diritti patrimoniali appartengono all'editore (salvo diverso patto); ciascun autore può utilizzare la propria opera separatamente.

OPERE COMPOSTE

possono essere scisse, ma la loro divisione va a mutare l'identità sostanziale dell'opera; i diritti morali appartengono ai singoli autori, ciascuno per la propria parte; i diritti patrimoniali appartengono a ciascun autore proporzionalmente alla quota.

OPERE IN COMUNIONE

non possono essere scisse (il contributo di ciascun autore è indistinguibile); i diritti sono ripartiti sulla base delle norme generali sulla comunione (artt. 1100 ss. c.c.), salva diversa pattuizione scritta.

tutti i diritti riservati - il presente post ha valore solo generico, non può essere pertanto sostituito ad una consulenza legale con un esperto di diritto della proprietà intellettuale, che è l'unico soggetto in grado di valutare singoli casi specifici

ORDINE E MUTILAZIONE di Elena Zuccaccia

Mi ritrovo tra le mani questo libretto (inteso come "piccolo nel formato"), Ordine e Mutilazione, di Elena Zuccaccia (Edizioni Pietre Vive) e subito alcuni aspetti mi colpiscono.

Anzitutto, il "pessimismo ironico" e la nostalgia con uno sguardo al futuro. Stilisticamente parlando, un connubio di cinismo ed ironia permea l'intera silloge, mentre i versi indagano atmosfere complesse, come il rapporto tra "sentimento" e "non-sentimento", dove per quest'ultimo intendo al contempo un sentimento che non c'è più, un sentimento che non c'è mai stato e un sentimento sconosciuto. Talvolta, la linea di demarcazione tra queste "essenze contermini" è assai labile.

L'aspetto introspettivo, che all'occhio di chi scrive è sempre presente in poesia - anche nella cosiddetta "poesia civile", per intenderci - è evidente, ma tale evidenza si innesta ad un circostante tendenzialmente binario; in certe fasi, sembra persino un circostante "a tre".

L'opera è squisitamente "concettuale"; va letta, per questo, tutta d'un fiato, senza che ciò ne pregiudichi, tuttavia, la scorrevolezza. Neppure i momenti di circolarità, i ritorni e i riferimenti "al prima" appesantiscono la lettura. Sembra, piuttosto, che tali momenti "fluttuino" come un ago che tesse una trama sapiente. La "fluttuazione", peraltro, è una tematica presente al punto da offrire il titolo di uno dei capitoli e della "poesia di epilogo".
Questo "fluttuare" viene enfatizzato ancor di più da un uso della punteggiatura non convenzionale: quelli che, normalmente, appaiono come "stacchi", più o meno incisivi, qui sono invece reali "sospensioni". Sospensioni nel "non esserci".

Prima di chiudere questa brevissima e personale "impressione di lettura", vorrei porre l'attenzione su quella che appare, ai miei occhi, come una delle immagini più poetiche dell'intera silloge: il parallelismo tra la parola "amore" (o, meglio, tra la pronuncia della parola "amore") e le quattro dita delle zampe posteriori di un gatto. Perché i gatti hanno questa peculiarità: l'avere nelle zampe posteriori un dito in meno rispetto alle anteriori. E associare questa insolita immagine di "mancanza" alla pronuncia di una parola o, come forse è meglio dire, alla mutezza di una parola, ad una parola mancante, è davvero un aspetto di grande forza poetica.

Arricchiscono l'opera delle illustrazioni di Pierpaolo Miccolis. 

tutti i diritti riservati - credito immagine: edizioni pietre vive

Premio Letterario Miosotìs 2017

Il bando del Premio Letterario Miosotìs, giunto alla nona edizione, è disponibile.
Trattasi di premio letterario per opera inedita, in versi o in prosa, in lingua italiana o in uno dei dialetti della nostra Penisola, dedicato alla memoria di Vittorio Russo e Giancarlo Mazzacurati.
Il premio è organizzato dalla casa editrice napoletana Edizioni D'If.

Il bando completo è disponibile cliccando qui.



credito immagine: Edizioni D'If